Vous avez souvent  raconté des histoires de femmes qui défient les conventions et les rôles prédéfinis. Voyez-vous un fil conducteur reliant Téresa avec des titres comme "Dieu existe, Son nom est Petrunya" ou "L’homme le plus heureux du monde" ?

C’est vrai, toutes mes personnages féminins font exactement cela, et Mère Téresa aussi, la plus audacieuse de toutes. Elle était PDG, général d’une armée, rebelle et un Robin des Bois. Je ne vois pas son caractère aussi loin de qui je suis, une femme d’aujourd’hui. Le défi d’incorporer cet aspect contemporain dans le personnage de Mère était mon objectif. Son histoire se déroule il y a presque un siècle, pourtant elle n’est pas différente de toi et moi. Une preuve que les femmes se sont toujours rebellées, à l’époque comme maintenant. En mettant ces personnages sur le grand écran, je revendique notre droit d’être : imparfait, beau et libre. Je compare le processus de construction de ce film à celui d’un labyrinthe, tant en ce qui concerne la construction de l’histoire qu’en relation avec nous, les scénaristes (Goce Smilevski e Elma Tataragić) et ma propre volonté d’aborder les points qui comptent pour nous. Le film interroge et problématise certaines questions intellectuelles sérieuses et urgentes de pouvoir, d’ambition et de rôles de genre. Dès le début, il était essentiel de mettre en avant un personnage historique féminin sans tomber dans le piège des notions romantiques habituelles d’une femme ou d’une mère parfaite, mais plutôt de présenter une entité complexe à plusieurs niveaux.

 

Teona Strugar Mitevsk

Le film traite de thèmes tels que la foi, la compassion et les choix moraux dans un contexte historique très spécifique. Comment avez-vous travaillé pour transmettre à la fois la complexité intérieure du protagoniste et l’atmosphère de Kolkata en 1948 ?

Les deux mondes dépeints dans le film sont des opposés complets, le contraste est brutal et douloureux : le chaos des rues de Kolkata contre la sérénité du couvent d’Entally Loreto ; la lumière contre l’obscurité, le silence contre le bruit insupportable, la sécurité et la plénitude contre la mort et la pauvreté. Dans le contexte historique, ce fut un moment de grand changement : la fin de la domination coloniale britannique, la division de l’Inde, ainsi que les restes de la famine bengalie. Mère Teresa, alors jeune femme, en fut témoin. Les règles étaient claires : elle devait rester enfermée dans son paradis artificiel du couvent de Loreto, une condition qu’elle était incapable de supporter. L’utilisation prudente et la modulation de ce contraste, ainsi que le délai de sept jours ont aidé à intensifier la vie intérieure de Mère. À travers la narration de flux de conscience, le spectateur est autorisé à voir le monde à travers ses yeux, mis en contact étroit et vivant avec un personnage d’une autre époque.

Ceci est votre premier film en anglais et présente un casting international dirigé par Noomi Rapace et Sylvia Hoeks. Comment avez-vous vécu cela par rapport à vos œuvres précédentes ?

J’avais toujours voulu faire un film dans une langue autre que la mienne, et cela faisait longtemps que je planifiais ce moment et ce projet. Il s’agit d’avoir la confiance de savoir que vous êtes prêt. Maintenant que j’ai sauté dans l’eau, je me demande pourquoi je ne l’ai pas fait plus tôt. C’est incroyable de travailler avec des acteurs de la stature de Noomi et Sylvia. Avec Noomi, nous avons préparé le personnage de Mère pendant un an et demi, le travail acharné est la voie. Il ne s’agit pas tant de répéter que de travailler sur l’incarnation du personnage. Du point de vue d’un réalisateur, c’était frappant de vivre la pleine transformation de Noomi. Je n’oublierai jamais le moment de réalisation. Elle m’a appelé d’une voix tremblante, dans une fragilité que je n’ai jamais ressentie auparavant. Elle avait peur, et c’est alors que j’ai su qu’elle était arrivée, elle avait pleinement incarné le personnage, même la peur la plus forte. Trouver la fragilité dans la force du caractère de Mère était la dernière étape. Mon corps tremble encore quand je me souviens de ce moment précis. C’était beau. C’est alors que j’ai su que nous étions arrivés à un point de convergence de trois chemins de vie, celui de Noomi, le mien et celui de Mère. Nous ne faisions qu’un. Sylvia a rejoint  un peu plus tard  le tableau. Je cherchais quelqu’un qui se tiendrait à l’opposé de Noomi, physiquement et émotionnellement. Une image d’un saule pleureur continuait de jouer dans ma tête. Quand j’ai rencontré Sylvia, j’ai immédiatement senti qu’elle était l’unique : elle en tant que chagrin, Noomi comme la force d’un Un.

Dans vos films, les lieux semblent avoir autant d’importance que les personnages eux-mêmes. En pensant à Calcuta dans Teresa  ou à Skopje et Sarajevo dans vos œuvres précédentes, que signifie « filmer un lieu » pour vous, et comment cela influence-t-il la narration ?
Filmer un lieu, c’est raconter une histoire, et c’est l’un des plus beaux moments de mon métier de cinéaste. On sait que je change des scènes entières à cause d’un lieu, d’un emplacement. Mais Mère était quelque chose de différent, comme tout ce que j’avais fait auparavant. Je tournais dans un nouveau pays, dans une culture que je connaissais à peine. Par exemple, leur concept de « maintenant », leur compréhension du temps est complètement différente de la nôtre. Il est facile, en tant qu’Occidental, d’essayer d’imposer ses propres idées, de se présenter comme supérieur – le colonialisme était tout cela, après tout. J’ai dû faire un effort délibéré pour aller à l’encontre de mes idées préconçues, pour commencer à voir et écouter comme ils le font, pour apprendre. Ce n’est qu’alors que j’ai vraiment commencé à filmer l’endroit. Et bien sûr, revoir tous les films de Satyajit Raj ne m’a fait aucun mal – c’était une leçon complète d’humilité.

Le film s’appelle à l'international Mother, c’est un surnom, mais ça soulève aussi la question de la maternité.
Teresa fait un sacrifice en renonçant à la maternité, en rejoignant l’ordre, en se "mariant" à Dieu. Mais c’est avant tout le choix d’une femme ambitieuse. En fait, les soeurs de son ordre trouvaient leur liberté dans ce choix. C’était une façon de ne pas se marier, de ne pas cuisiner pour un homme. Aujourd’hui encore, dans certaines régions du monde, devenir religieuse, rejoindre un ordre, c’est encore, paradoxalement, une façon de refuser de se fondre dans le moule, d’être "la femme de", "la mère de". C’est une décision radicale. Quand elle découvre la grossesse de soeur Agnieszka, il y a presque de la jalousie dans sa voix, et on comprend qu’elle questionne ses choix, que peut-être au fond d’elle, il y a aussi un désir refoulé de maternité. C’était très important pour nous en écrivant le scénario de montrer comment elle arrive au point de non-retour, d’être auprès d’elle au moment où elle prend sa décision finale, de poursuivre son ambition.

Merci au Pathé Lyon et à Nour Film

 entretien réalisé le 24 novembre 2025